Nicolas Poussin (1629)

Análisis iconológico por Carlos Yarlequé Ubilluz

Poussin

Nicolas Poussin, La masacre de los inocentes, 1628-1629, óleo sobre lienzo, 147 x 171 cm, Museo Condé, Chantilly.

Es una de las obras más conocidas de Nicolas Poussin, quien es el principal exponente de la pintura francesa clásica del siglo XVII. La obra muestra una escena dramática donde hay un hombre de pelo marrón, con una espada en la mano derecha, sosteniéndola por encima de su cabeza y así mismo el pie derecho sobre el pecho de un bebe con los ojos cerrados y el cual yace sobre una tela blanca y está con los brazos y piernas extendidos. A su lado una mujer de pelo castaño con un vestido ocre el cual le baja hasta la cintura, caído hasta cierto punto y dejando entrever un seno, intenta abrazarlo de la cintura y él la aparta con una mano sosteniéndole el cabello. El hombre porta sandalias, tiene una falda marrón sostenida aparentemente por un cinturón de tela blanco. También tiene una capa roja que se sostiene por su hombro derecho El trio se encuentra en primer plano sobre el suelo de una edificación y al lado derecho de una columna. En segundo plano hay una mujer con vestido azul y pelo castaño claro, caminando hacia la derecha del cuadro agarrándose la cabeza. En tercer plano y en un mucho menor tamaño hay una mujer dándole la espalda al espectador al extremo derecho del cuadro. Esta es de pelo castaño claro y vestido crema claro fusionándose con el fondo. Entre las piernas del hombre se puede vislumbrar otra mujer de pelo marrón oscuro la cual, por el contrario, voltea la mirada hacia la escena del primer plano contemplando al trío del hombre, la mujer y el bebe. Al lado de esta casi fusionada con ella se ve el perfil de una cuarta mujer. En cuarto plano se ve una estructura la cual es un edificio con columnas y un techo a dos aguas. Delante de la estructura se ve una escultura semioculta por la mujer en segundo plano y a su lado una columna. Por último en quinto plano se ve el cielo celeste con algunas nubes blancas. La pincelada no es notoria a través de trazos enérgicos sino que más bien busca fusionarse y desaparecer. En general priman los colores pálidos de tonalidad crema y ocre reflejados en la piel de las personas. Estas hacen contraste con los tonos rojos de la capa del hombre y azules del vestido de una de las mujeres. Los vestidos en marrón y ocre resaltan menos. Igualmente la tonalidad de los edificios de un gris cálido marca cierta tendencia monocroma rota por los ejemplos antes mencionados además del celeste del cielo.

A nivel compositivo, si consideramos solo los tres personajes se podría hablar de una composición triangular donde el ápice sería la capa del hombre y la base estaría compuesta tanto por el bebe como por la mujer que abraza al hombre. Si se considera a la mujer en segundo plano de azul entonces se podría hablar de una composición rectangular casi cuadrada.

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Se puede dividir básicamente en nueve cuadrantes según las líneas que generan los personajes. Si bien estos cuadrantes varían en tamaño tienden a ser regulares. A nivel de movimiento la obra cuenta con tres diagonales, siendo la principal la creada por la unión de la mujer y el hombre en primer plano, seguida de una horizontal entre las piernas de la mujer y el bebe y finalmente una vertical la cual al forma sólo la mujer de azul, yendo a formar las tres una especie de abanico.

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Esta obra fue pintada cuando Poussin estaba alrededor de los veinte años. Fue un encargo para el marqués Vincenzo Giustiniani. En esos momentos vivía con el poeta Marini (perteneciente a la corte de los Médici) para el cual hacía ilustraciones.

Esta obra comprende su etapa en Roma por lo tanto está emparentada con el exilio (del artista). El tema también está relacionado con un episodio bíblico que generó el exilio de Jesús. El cuadro representa un pasaje de San Mateo: el momento en el que Herodes, que se había enterado del anuncio del nacimiento de un futuro rey de Israel, ordena el asesinato de todos los niños recién nacidos de Israel. La obra fue pintada por Poussin en los años 20 para el marqués Vincenzo Giustiniani. Resalta por su impactante naturalismo y dramatismo. Además, refleja el espíritu del joven artista “tocado por la furia del diablo” como lo describía Marino al presentarlo al cardenal Barberini quien se convertiría en uno de sus primeros clientes en Roma. En esta obra se reflejan con maestría las emociones humanas tanto en los gestos como en las expresiones corporales siendo los más expresivos: la madre quien luce verdaderamente aterrada ante la inminente pérdida de su hijo y el mismo bebe que parece ahogarse por la presión del pie del soldado y que en su cuerpo revela ser presa de un movimiento brusco involuntario. El soldado, si bien es enérgico es menos expresivo facialmente aunque la actitud de su cuerpo es bastante decidida. Incluso la aparente carencia de emociones es más dramático ya que denota que, a pesar de todo, sólo cumple con su trabajo y no se involucra mayormente. También resalta el primer plano de una agresión directa lo cual contrasta con las representaciones más tradicionales de esta escena donde se suele apreciar un grupo general de madres siendo atacadas por soldados sin darle énfasis a ninguna en particular. Así que se decidió a centrarse en los personajes y en el acto en particular para transmitir cercanía y dramatismo. El fondo arquitectónico es eminentemente clasicista al tener como fondo columnas compuestas las cuales son un aporte romano a las columnas griegas clásicas (dórica, jónica y corintia). Se puede deducir que la estructura de atrás es un tempo Romano entonces. Esto contrasta con la historia original donde la matanza transcurre en un ambiente bucólico y del medio oriente más que en una polis romana.

Entonces Herodes, al ver que había sido burlado por los magos, se enfureció terriblemente y envió a matar a todos los niños de Belén y de toda su comarca, de dos años para abajo, según el tiempo que había precisado por los magos. Entonces se cumplió el oráculo del profeta Jeremías: «Un clamor se ha oído en Ramá, mucho llanto y lamento: es Raquel que llora a sus hijos, y no quiere consolarse, porque ya no existen.»

Evangelio de Mateo, 2:16-18

Giotto

La masacre de los inocentes. Giotto Di Bondone, 1302-1305. 200 x 185 cm. Fresco en pared. Capilla Scrovegni, Padua.

Rubens

La masacre de los inocentes. Peter Paul Rubens, 1611-1612. 142 x 182 cm. Óleo sobre tabla. Galería de Arte de Ontario, Toronto.

Nicolas Poussin (Les Andelys, Normandía, 15 de junio de 1594 – Roma, 19 de noviembre de 1665) fue un pintor francés, uno de los más destacados de la escuela clasicista. Poussin fue el fundador y gran practicante de la pintura clásica francesa del siglo XVII. Su obra simboliza las virtudes de la claridad, la lógica y el orden. Ha influenciado el curso del arte francés hasta la actualidad.

Pasó la mayor parte de su vida pintando en Roma, excepto durante un corto período cuando el Cardenal Richelieu le ordenó regresar a Francia como pintor del rey. Hasta el siglo XX permaneció como fuente de inspiración dominante para los artistas de orientación clásica como Jacques Louis David y Paul Cezanne. Acerca de su cronología en relación con el exilio se pueden determinar los siguientes aspectos:

-Nació cerca de Les Andelys (Eure, Normandía). Aprendiz de Quentin Varin.

-Viaja a París. Aprendiz de pintor flamenco Ferdinand Elle. Luego aprendiz de George L’Allemand. (Arte francés en transición).

-Dos intentos fallidos e ir a Roma.

-Se junta con Marini (poeta de los Médicis en Lyon) Pintaba sus poemas.

-Se reencuentra con Marini en 1624 en Roma.

– Muere Marini y lo recibe su compatriota Gaspard Dughet. Se casa con su hija en 1629.

-Regresa a Francia en 1640 con Fiart de Chantelou.

-En 1643 retorna a Roma debido a intrigas.

-Muere en Roma en 1665.

Poussin busca resaltar el lado psicológico de los personajes ante la escena en la que se desarrollan. Esto lo llevó a inclinarse por el pensamiento estoico hacia 1635. Estos lo condujeron a considerar el rechazo a las pasiones y bajezas humanas. A esta época corresponden; la serie de las Bacanales pintadas para el cardenal Richelieu por ejemplo.

Entre 1640 y 1642 se produjo en su vida un pequeño paréntesis cuando, a pesar suyo, acudió a Francia ante la insistencia de Luis XIII para que regresara. Esta estancia ni fue de su agrado ni productiva lo cual se refleja en cuadros frías y de baja calidad de este periodo. En la primera oportunidad que tuvo de regresar a Roma (con motivo de recoger a su esposa) lo hizo y se quedó ahí. En 1652 atravesó una etapa en la que resaltaron sus intereses en crear reacciones en los espectadores (de corte dramático y psicológico) valiéndose de un estética escénica y los mencionados valores históricos.

Así pudo escapar de las influencias decorativas y barrocas de la Francia de su época y en lugar de eso, prolongar las influencias Renacentistas italianas como un heredero más de los maestros e ideales del cinquecento.

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Bacanal delante de un herma. Nicolas Poussin, 1634-1635. 104 x 142,5 cm. Óleo sobre lienzo. National Gallery, Londres.

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Cristo y la adúltera. Nicolas Poussin, 1653. 122 x 195 cm. Óleo sobre lienzo. Museé du Louvre, Paris.

BIBLIOGRAFÍA

  • Blunt, Anthony. The paintings of N. Poussin. Londres, 2009.
  • Bonnefoy, Yves. Rome, 1630: l’horizon du premier baroque. Flammarion, 1970.
  • Desjardins, Paul. Poussin / par Paul Desjardins. Paris: H. Laurens, [¿1903?].
  • Keazor, Henry. Poussin. Colonia: Taschen, 2007.
  • Stern, Robert A. M. Clasicismo moderno / Robert A. M. Stern. Madrid: Nerea, 1988.
  • Thuillier, Jacques. L’opera completa di Poussin / presentazione e apparati critici e filologici di Jacques Thuillier. Milano: Rizzoli, 1974.
  • Winckelmann, Johann Joachim. Reflexiones sobre la imitación de las obras griegas en la pintura y la escultura. Traducción de Salvador Mas. México: Fondo de Cultura Económica, 2008.
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